화가들의 천국

세상에는 각각의 빛을 품은 수많은 장소가 있다. 런던에는 런던의 빛이 있고, 파리에는 파리의 빛이, 프로방스에는 프로방스의 빛이 있으며 베니스에는 베니스만의 빛이 있다. 언제인가 여행 전문지의 사진기자가 되고 싶다고 되뇌었던 것은 이런 사실을 텍스트가 아닌 몸을 통해 느꼈기 때문이리라. 필름에 담기는 빛은 그동안 내가 여행했던 장소가 지니는 독특한 지문이 된다. 그렇기에 빛과 색을 고르라면 역시 난 색이 아닌 빛을 고를 수 밖에 없다. 아무리 색이 빛보다 아름다울지라도. 빛은 내 삶의 희망이다.

사용자 삽입 이미지12월의 파리의 빛이 가장 아름답게 담기는 장소가 있다면 그것은 연석 위에 깃든 오후의 태양을 즐길 수 있는 퐁피두센터 앞 광장과 시가지 위에 낮게 걸린 구름에 닿은 파리의 빛을 볼 수 있는 퐁피두센터의 레스토랑에서일 것이다. 퐁피두센터에서 바라보는 파리는 매우 아름다워 센터에서 만날 수 있는 현대미술의 거장들을 초라하게 만든다. 예술이 위대할지 모르나 그것이 자연보다 위대할 수 없다는 평범한 진리를 배울 수 있는 곳인 동시에 예술의 지향점을 눈으로 볼 수 있다. 센터를 채운 수많은 재기 발랄한 작품들과 학생들의 스케치가 바라보는 궁극의 지향점은 멀리 있는 것이 아니다. 저 빛이 만들어낸 위대한 풍광보다 더 멋진 것을 만들어 내는 것. 그런 꿈을 꿔보는 것이 어쩌면 퐁피두센터의 존재가치인지도 모른다.

사실 <화가들의 천국>이란 주제로 열린 퐁피두센터 특별전을 보고 이런 상상의 나래라던지, 감정을 토설하는 것은  온당한 태도로 보기는 어렵다. 하지만,  내 인상에 남은 퐁피두센터를 말하지 않고서는 전시회를 보고 내가 느낀 정서적 이질감을 제대로 표현하기란 불가능하다. 내가 퐁피두에서 감상한 그림들은 보다 해체적이었고, 성기고 낯설었으며, 꾸미지 않는 오브제와 이미 현실에서의 의미를 상실해 버린 오브제를 구상과 비구상 모두에서 볼 수 있는 모순의 공간이었기 때문이다.그러나, 퐁피두센터 특별전이란 이름과 다르게 전시회를 통해 내가 바라본 것은 오르세 미술관의 따스함과 테이트 모던의 온건함, 그리고 야수파이기를 포기한 화가들의 후기작들이 총망라된 예쁘고 이해하기 쉬운 성찬이었다. 12월의 빛을 즐겼던 그 당시로써는 이해할 엄두조차 내지 못했던 독특함을 대신한 것은 밝고 희망적인(?) 색채의 미술이었지만 내심 그런 부분이 더 좋았다. 진짜 ‘화가들의 천국’ 보다는 ‘갤러리의 천국’에 걸린 그림들이 더 아름다우리라 믿는 나로서는 ‘갤러리의 천국’에 걸릴 법한 작품들을 바라보는 동안 즐거운 마음을 감출 수가 없었기 때문이다.

마티즈의 위대한 실험정신과 브라크의 지문을 숨길 수 없는 초기작들, 언제나 보는 이를 매료시키는 샤갈의 무지개, 야수파의 해체를 선언한 이후 매너리즘의 함정에 빠져 다시는 위대함을 회복하지 못한 많은 화가의 그림들이 만들어 내는 분위기는 익숙하면서도 우아한 소품처럼 매혹적이었다. 게다가 일견 일관성이 없어 보이지만 자연스레 화가로서 완숙해지는 과정을 유추할 수 있도록 꾸며져 있었다. 무엇보다 우리 시대에는 더는 위대한 도전이 될 수 없겠지만, 당시로써는 위대한 도전이고, 실험이었음이 분명한 작품들과의 만남은 만남 자체로서 충분히 가치가 있었다.

폴 존슨에 의하면 많은 작품을 보는 것보다 거장의 명작을 여러 번 반복해서 보는 것이 예술의 본질에 접근하는 더 좋은 방법이라지만, 사람은 굽이굽이 돌아가고  때로는 목적지에 도달하지 못한다 하더라도 길을 잃고 헤매는 일을 더 좋아할 때가 있다. 내게 있어 이 전시회가 그랬다. 거장들의 걸작에 접근하는 수작보다는 그곳까지 도달하기 위해 모든 고뇌를 쏟아부은 수수한 작품들에 시선을 빼앗겼기 때문이다.

Les chômeurs (unemployed artists)

사용자 삽입 이미지
GEORGES FOLMER (French 1895 – 1977)
Painted in 1928-1930 Oil on canvas

55 x 46 cm / 22 x 18 inches

신문을 읽다가 경매 섹션에서 발견한 작품. 유명한 화가의 작품이 아님에도 흑백으로 인쇄된 광고 속에서 유난히 내 눈을 사로잡았다. 걸작이 되기에는 부족하지만 그렇다고 마냥 범작으로 취급하기에는 인상이 꽤 강렬하다. 마치 타임머신을 타고 떠난 현대의 컴포지션 페인터가 그가 본 1920년대의 인상을 캔버스에 옮긴 것 같다고나 할까?

Kandinsky-the Path to Abstraction

 오랜 시간동안 칸딘스키는 이해 불가능의 영역이었다. 혼란스런 이미지와 색채의 향연 앞에서 내 안목으로 이해 가능한 무언가를 찾기란 여간 어려운 일이 아니었기 때문이다. 하지만 도록이 아닌 작가의 붓질이 살아 숨 쉬는 진짜 작품과 조우하는 순간 칸딘스키의 작품들이 성큼 이해의 영역으로 걸어들어 왔다. 미술관을 찾는 즐거움인 낯선 작가를 이해하게 되는 순간의 언어로 설명할 수 없는 희열이 나도 모르는 사이에 뺨과 입가에 걸리기 시작했다. 칸딘스키의 작품에서 내가 처음 발견한 것은 혼란스러운 지난 세기의 시작과 세상의 종말이라고 믿기 충분한 전쟁의 여파, 그리고 분열되어 조각난 육체의 이미지였다. 도록으로 읽는 칸딘스키의 작품이 난해한 형태로 구성된 추상이었다면 실제 그의 작품이 말하는 의도는 완전 추상의 한 단계 이전인 구상과 추상의 미묘한 경계선이다. 추상에 가깝지만 현대 작가들이 보여주는 추상에 비해서는 한결 이해하기 쉬운 단계랄까?

사용자 삽입 이미지 다소 가벼운 주제의 작품들을 머릿속에 담은 채로 퍼즐을 맞추다보면 누군가의 나신이 들어난다. 지금껏 이해할 수 없었던 기호였던 것이 여성의 가슴과 엉덩이로 인식되기 시작되는 것은 왜일까? 퍼즐 맞추기 끝에 머릿속에 결합된 하나의 이미지를 칸딘스키 자신이 보고자 했던 예술적 환영이라고 믿는 것은 오만일까? 하지만 나 스스로에게 가장 놀라운 것은 이해할 수 없는 혼잡한 덩어리 속에서 보이기 시작한 육체에 놀라기 보다는 즐거움을 느끼기 시작했다는 점이다. 칸딘스키의 작품을 감상하는 일은 때로 타로 카드를 읽는 것과 비슷하다. 이미지에 투사하는 자신의 의도가 곧 해석이 될 수 있기 때문이다. 하지만 해석에 관하여 옳고 그름을 따지는 것은 무의미하다. 이미 구상과 추상이 연결되는 통로에 서있는 그의 작품 속에서 그 자신조차 구상과 추상을 완벽하게 구분해 내지 못할 것이 분명하기 때문이다.     

사실 이때부터였던 것 같다. 진한 외로움을 느끼기 시작한 것은 진지한 표정으로 작품을 감상하는 낯선 나라의 여성들이 사랑스러워 보이기 시작한 때가. 칸딘스키가 그린 육신의 편린들을 피가 도는 진짜배기 사람에게서 찾기 시작한 때야말로 칸딘스키와 벗하기 시작한 순간이 아닐까? 더 이상 칸딘스키는 미지의 대상이 아니다. 단지 이제는 옛날보다 애할 것들이, 아름다움에 취해도 될 것들이 늘어났을 뿐이다.

P. S.
애슈몰린 박물관에서 다시 한 번 칸딘스키의 작품을 우연히 보게 되었다. 근래의 애슈몰린 박물관은 확장공사관계로 주요 섹션이 폐쇄되었는데 우연찮게 열린 문을 통해 테이트 모던에서 회수된 그림을 어둠 속에서 만나게 되었다. 어둠 속에서 떠있는 칸딘스키의 풍경화는 묘한 느낌을 선사한다. 언어로 확언하기 힘든…….

P. S. 2
퐁피두 센터에서 다시 만난 칸딘스키의 그림을 보면서 그리고 벽면을 채운 의미를 알 수 없는 현대 작가들의 추상 미술을 바라보면서 과연 칸딘스키가 추상 미술의 영역에 속하는지 의문이 생겼다. 그들과 비교하자면 칸딘스키의 작품에 쓰인 소재들은 너무나도 확연한 형태를 지니고 있기 때문이다. 오늘날 같은 순수 추상은 아니겠지만 그렇다고 추상이 아닌 것도 아닌 두 세계를 잇는 통로라고 마음 편하게 생각하는 것이 제일 나을 듯싶다.

Modigliani and His Models

때때로 갤러리를 방랑하다 보면 남자 큐레이터들의 부재(혹은 빈곤, 드뭄)가 아쉬운 상황과 조우하게 된다. 뭐랄까? 회랑을 걷다보면 거세되어버린 거장들의 초라한 초상을 목도하는 듯한 착각에 빠지기 때문이다. 거장들에게도 벨트 아래의 이런 저런 불장난이 있다는 사실을 알고 있는 나로서는 도덕 교과서만큼이나 재미없는 디스플레이에 나도 모르게 한숨이 흘러 나오곤 한다. 물론 이런 이야기를 쓰는 이유는 누군가를 비난하기 위함은 아니다. 그저 내가 여자들의 시선을 모르듯이 여자 큐레이터 역시 때로는 거장들의 시선을 제대로 이해하지 못하고 있다는 느낌을 받기 때문이다. 그리고 이 시선은 공부를 통해서 얻어지는 것이 아니라 직관적으로 얻어진다. 컨텍스트의 문제가 아니라 경험의 문제라는 이야기다.

사용자 삽입 이미지그림이 작가의 내면을 반영하는 거울이라면 대부분의 거장들이 남자들인 미술사적 현실에서 그들을 이해하는 키는 동성의 인물들에게 조금 더 친숙하다. 사랑이 스무살 넘은 사내들에게는 아무 것도 아닌 이야기가 된다는 문장을 직관적으로 이해하는 것처럼 그림 역시 그렇다. 그림 속에 담긴 인물에 대한 작가의 미묘한 태도를 잡아내는데에는 ‘그림을 보는 눈’ 대신 스스로의 과거를 잠시 되돌아보는 여유면 충분하다. 그리고 공식적으로 표현되지 않는 이 아무 것도 아닌 이야기를 미묘하게 잘 포착해내는 그의 디스플레이에 열광하게 된다. 이 묘한 정서적 공감대를 문장으로 옮기기란 어렵다. 이 공감대를 표현하는 일은 보수적인 한국 남자에게는 암묵적인 약속을 위반하는 것이고 설령 그 정도는 아니더라도 좋게 보일 꺼리라고는 하나도 없기 때문이다.

어찌되었던 다시 전시회로 돌아가서 지금까지 나는 모디글리아니를 특이한 상상력을 지닌 20세기 작가로 분류했다. 특이한 형태를 지닌 유화를 남기고 간 알콜 중독자에 폐인, 아니 그의 정부를 미술사에 남기고 사라져 버린 불량한 남자가 내가 그에 대해 지닌 인상의 전부였다는 것이 옳다. 하지만 이런 공식적인 견해 뒤에는 그의 정부에 대한 숨기고 싶은 호기심이 있었다. 말로 표현한 적은 없지만 그림 속에서 발견하게 되는 그의 시선에서 묘한 동질감이 느껴졌기 때문이다.

하지만 그의 작품을 접하는 순간 나의 공식적인 견해가 편견에 지나지 않았음이 분명해 졌다. 그는 어느 시대에 태어났더라도 거장이 되었을 운명을 지니고 있으며, 그의 재능은 세간의 평가가 아닌 그의 작품에 녹아 있다는 사실이 너무도 명확했기 때문이다. 그는 유행에 앞서가나 뒤쳐지지 않은 채 자신만의 스타일로 인물을 해석하는 단호함과 아름다움에 대한 본능적인 감각을 지니고 있었다.

그리고 나의 숨기고 싶은 호기심에 대해 이야기하자면 그의 그림을 보는 순간 Jeanne Hebuterne이란 존재에 매료되었다. 누군가를 사랑해본 경험이 있는 사람이라면 모디글리아니가 얼마만큼 그녀를 사랑했고, 그가 무엇을 그녀에게 선물했는지가 분명하게 들어난다. 그녀의 비극적인 자살이 선택의 문제가 아닌 필연적인 운명이었다는 사실을 깨닫는데는 시간이 필요하지 않다. 그들의 운명 자체가 태초에 그렇게 정해진 것처럼 느껴질 정도라면 더 이상 사족은 불필요하지 않을까?

진짜배기 삶과 진짜 사랑이 담겨 있는 작품 앞에서 이성 따위는 중요하지 않다. 중요한 것은 사랑 하나뿐이고 아름다움 하나 뿐이다. 갤러리에서 발견하게 되는 이 사실이 내 삶을 지배하지는 못하더라도 때로는 그 말에 긍정한다는 사실은 변함없이 중요하다. 끝으로 좁은 공간을 효과적으로 사용했을 뿐만 아니라 무엇보다 감정의 변화를 능수능란하게 포착해낸 큐레이터에 경의를 표할 수 밖에 없다. 고작 다섯 걸음을 옮겼을 뿐인데 플라토닉 러브와 진짜 사랑의 차이가 색채와 선, 음영의 변화를 통해 가시적으로 들어나는 경험을 해보기란 불가능에 가깝다. 그런 경험을 선물해 준 큐레이터와 그 경험이 고작 6파운데 지나지 않았다는 사실에 고마울 뿐이다.

르네상스 바로크 회화전

<르네상스-바로크 회화걸작전>이란 전시회의 정식 명칭에도 불구하고 난 <르네상스-매너리즘> 전시회라는 명칭으로 이 전시회를 기억하고 있는 것 같다. 엄격하게 말해 바로크의 전성기 시대의 작품보다는 후기 르네상스와 매너리즘의 시대 그리고 초창기 바로크의 작품들이 주를 이뤘기 때문이다. 뿐만 아니라 서울시립미술관의 야수파 전시회와 비교해 볼 때 value/cost의 만족 수준은 떨어졌다. 하지만 그럼에도 전시회를 찾을 수 밖에 없는 이유는 단 한 점의 유화를 보는 것만으로도 value/cost>1인 조건을 충족시키기 때문이다.

오늘날의 벨기에를 지도 위에 만들어 내고 앤트워프가 차지하던 국제교역항으로서의 위상을 암스테르담에게 넘긴 역사를 만들어낸 인물의 초상과 마주하는 경험의 가치는 얼마나 될까? 스페인 보병군단이라는 그 시대 최고의 전쟁 기계에 관한 전문가가 되기 이전 나이 많은 소년에 불과하던 파르마 공작의 미래에 대한 불안이 담긴 어색한 표정과 길고 희끄무레한 손이 담긴 화폭과 마주하는 색다른 경험을 어디서 할 수 있을까?

700년 가까이 시간이 흐르는 동안 퇴색해 버린 템페라화의 색채를 바라보며 700년 전의 원작을 재구성하는 일은 즐겁다. 카라바지오가 미술사에 미친 영향력을 확인하는 일이라든지 원경으로 갈수록 흐릿해져 종국에는 가벼운 붓 터치로 변해버린 인물들을 발견하는 일과 과장된 운동성이 만들어내는 균형 감각을 즐길 수도 있다. 하지만 이런 감상들은 도록으로는 불가능하다. 이런 즐거움은 유화를 실제로 볼 때에만 가능한 일이기 때문이다.

전형적인 틴토레토 스타일의 걸작을 감상하고 조선 회화의 전신성에나 상대를 찾아볼 수 있을 인물의 표정이 지니는 힘을 발견하는 일 역시 실제 작품을 볼 때에만 가능하다. 틴토레토 후기 작품에서 혹평 받은 붓 터치 스타일이 얼마나 조잡한지 깨닫는 일 역시 도록으로는 불가능하다. 오백 년 된 템페라화의 생생한 색채에 경의를 표하는 일 또한 마찬가지다. 다빈치의 드로잉을 보고 그가 창조해 낸 걸작들의 흔적들을 찾는 일은 어떤 수수께끼보다 흥미진진하다.

하지만 누가 뭐래도 전시회에서 가장 즐거운 과정은 그림을 통해 이전에는 인지하지 못했던 새로운 화가와 조우하는 과정이다. 이전에는 아무런 관심을 기울이지 않았던 화가를 발견하고 그의 대가다움을 인식하는 과정이야말로 그 어떤 것과도 바꿀 수 없는 전시회의 꽃이다. 사람들이 좀처럼 다가오지 않는 기둥에 몸을 기대고 하얀 벽 위에 떠있는 인물과 사건을 바라보며 혼자 망상을 즐기는 일을 다른 어디에서 할 수 있단 말인가?

레판토 해전이 일어나기 전에 그려졌음이 분명한 그림 앞에 서서 틴토레토 앞에 포즈를 잡고 있을 노제독에게 말을 건네보는 것은 단순히 그림을 감상하는 범주를 넘어간다. 그림 속에는 예술적 아름다움도 있지만 한 인간의 삶에 녹아있고, 문학적 열정과 이야기 그리고 그 시대의 가치관이 담겨 있으며 이것들은 오늘날 우리가 역사라 부르는 것들이 되기에 충분하다.